月球时代白日梦

我愿意让Bowie像烟花一样在我脑中爆炸。每一秒在银幕上看见他都是快乐的。Sep 27, Cineplex.

“Why do the traditional thing of getting interview subjects who knew him or loved him to try and explain his importance to the 20th century? Instead, Morgen relies on image, music, and editing to produce something that doesn’t bother to explain Bowie as much as channel his energy into a new form. It’s an insanely ambitious movie. It shouldn’t work. It feels like a minor miracle that it does.

“somehow that act of getting lost—both in the music and the film about him—feels more rewarding than knowing where we’re going. Bowie speaks at one point about going into the deep water until just when your feet can’t touch the ground anymore. That’s where creativity can be found. That’s where this movie lives.” -Roger Ebert

“How can you make a documentary about a star who dominated the rock-and-roll world for more than two decades (a hundred years or so in regular time) and not touch on the filthy dressing rooms, the record-company hassles, the disgruntled bandmates, or the constant loneliness—that is, the reality that he had to contend with? Instead, Morgen gives us a kind of sanctified intellectual portrait: Bowie as Moses, laying down commandments about what art is and what it demands. Bowie’s pronouncements about Nietzsche and Buddhism, untempered by his sly charm, come off as not just pretentious but suffocating. Like Evans, Bowie was a consummate showman, but, except in some early archival footage, Morgen barely shows him at play.

“If Morgen had included other voices talking about Bowie—friends, colleagues—he could have introduced some critical inquiry to expand his portrait of the star. Getting off the subject from time to time, without losing sight of him, was what made Morgen’s 2015 film, “Kurt Cobain: Montage of Heck,” so interesting. You can’t entirely trust artists to tell their own stories; it’s always “Rashomon,” so why not reveal the lies and fabrications and misremembered moments, too?” - The New Yorker

看完有些画面印象很深刻，顺便备忘一些热知识。

首先是那首《Space Oddity》，《白日梦想家》男主坐上直升机听到的弹唱就是这首歌。

宝爷通过这首歌塑造了一个舞台人格，宇航员Major Tom（汤姆少校），据说灵感来自于库布里克的《2001 太空漫游》。2018年，埃隆·马斯克使用火箭把特斯拉发射到太空，车内单曲循环的就是这首《Space Oddity》。

宝爷还有其他舞台形象演绎，红发、额头上有一个金色圆形是雌雄同体的Ziggy。红色⚡️闪电妆是Alladin Sane；还有他精神状态不好那个阶段的“瘦白公爵”。

电影开始和结尾的宇航员骷髅是专辑《★》里的《black star》mv画面。片中68岁的鲍伊举着一本书也是取自这里面。据说专辑发行3天后他就去世了。

有段西装革履的画面，也是mv，《jump they say》

2小时的地方闪了很多电影画面，大概翻了一下

《月球旅行记》

《大都会》

《绿里奇迹》

《一条安达鲁狗》

《第七封印》

《红菱艳》

《2001太空漫游》

《地下丝绒》

《诺斯费拉图》

还有一个《感官世界》找不到在哪边出现了囧。

片中出现的浴缸话剧是百老汇剧《象人》，宝爷扮演严重畸形的约瑟夫·梅里克。

宝爷演过电影，大家都知道的《战场上的快乐圣诞》

此外，《致命魔术》演特斯拉 、《轻狂岁月》演安迪沃霍尔，《千年血后》演吸血鬼。

值得一说是演《出卖地球的男人》的男主，还拿了土星奖最佳男演员奖。

回到电影本身，意识流，蒙太奇，华丽视听，迷乱致幻，感觉是个大型粉丝向安利混剪hhhh。

2023biff imax

首先要说！！太喜欢这个了，希望正式引进放映，我要在imax场再刷！

说是纪录片，但是我觉得更像一个show，一场演出，在电影院的我都high起来了。

片名《Moonage Daydream》也是如此的浪漫。

说起David Bowie，我最先联想到的是标志性的Aladdin Sane，想到了他的夸张的跨性别造型。再其他，我就没有更多的了解了。所以，再没有了解，抱着没有很多期待的心开始的我，最终却是非常开心，甚至有点依依不舍的结束观影。

开场独白，说到了上帝已死，说到了音乐、艺术的意义，转接而至的就是迷幻的不安的，是大卫的音乐，是那个熟悉又不熟悉的大卫鲍伊。第一次正儿八经的听/看大卫的摇滚乐，在我看来这个超出了记录片的性质，而大卫鲍伊的一场show，包括他的音乐，他的生活，他的理念。很喜欢他说的在33这个年纪，开始觉得有明天了，means生活在有意义着。

最近正好在看很多现代主义的东西，这部电影提到了尼采，而我想到了毕加索，想到了安迪沃霍尔，想到了叔本华。

艺术似乎总是共通的，诗歌，音乐，舞蹈，画、雕塑等等。艺术的存在是为了表达我们那些我们自己无法用言语表达的思想和情绪。这部作品，我认为感受到了一些大卫鲍伊没有用语言描述的态度和想法。

总而言之，我喜欢这个电影，我希望再次观影。这个电影我有着音乐和音乐之外的很多感悟收获。

观影极其主观且激吹发言。

精彩绝伦的造神记录，按照宝毕生想要成为的形象塑造了他，极尽炫目，视角纵横迷幻，用非传统影像叙事推出核心信息：David Bowie是当代艺术的一场奇观。

电影没有真的将宝作为一个人来讲述，也没有用线性手法展开他的生平，开场就是无数碎片化的无关艺术镜头轰炸，浓妆宝闪现其中，唱一首歌的时间，大半镜头都给观众，人山人海的购票现场，青春少女们流泪的脸，曲终切到宝的采访：摇滚明星并不存在，we are nothing.

随着电影推进，他逐渐卸下面具，开始探索自己，讲述童年记忆，沿一个非常典型的艺术家道路向前走，孤独破碎的家庭，always outsider，与世隔绝，永远寻找艺术前沿，游历各方，在东南亚小国获得短暂的内心平静，却因为踏入舒适区而创作停滞，然后被爱激励，真正地拥抱生活，艺术火花重新闪现，与世界和解。

这好像是宝，又好像不是宝，镜头将他从现实中孤立出来，省略除了纯粹艺术道路外的所有杂余，全片没有出现过第二个拥有完整形象的角色，只有他和他眼中的自己, 他所理解的生活, 他想让世界看到的Bowie, 不存在其他任何人对他的评价追忆, 删去亲友恋爱（除了解释创作背景的一点提及），删去对名气的追求，删去他精心编织的自我推销，删去毒瘾和病痛，删去私生活……..与此同时，大量引入各种各样同时期影像资料，太空宇宙，战争暴力，无数经典电影片段（多数对宝有所影响），洛杉矶街头，柏林街头，日本街头，HK街头，所有这一切从宝的生活里流淌而过，他是时间长河的一部分，流光溢彩的玻璃碎片，折射每个时代的空虚渴望。

资料片段与采访旁白经过仔细组装，不同时期的发言内容按导演目的剪切在一起，用晚期采访搭配早期片段，产生原本上下文没有的含义，形成本不存在的起承转合，使这条天才挣扎诞生之路显得异常充实流畅。视觉语言也采用相似逻辑，模糊现实资料和电影片段之间的界限，根据电影叙述角度，按需提取相应的神态动作，并不告诉观众此处到底是真人，还是正在表演的角色。

将这场造神活动推向高潮的是狂风骤雨般的蒙太奇：群星、沙漠、夕阳霓虹灯、橙色头发的宝；破碎城市、吸血鬼、舞台废墟、白色西装的宝；画外音讲性偶像、虚无时代、战争结束，画面是宝给自己涂抹银粉，他的影像在历史洪流之中反复闪现，凭借自身物理意义上的炫目华美，成为某种比他本人还要宏大得多的图腾。

（简单来说就是IMAX巨幕宝盛世美颜高清混剪，你看你也麻）

从传记片角度来说，这部电影并不完全“诚实”，它是与宝本人一生遥相映衬的作品，是论述艺术家如何通过历史记忆与印象留存的一篇video essay，它所塑造的David Bowie，精炼了如今公众所熟知的那个形象，一种代表飞扬反叛的模糊感情，一个文化符号，一场奇观。

ps 电影用视觉传达信息的手法异常精妙诙谐，当80年代宝自述终于找到内心的平静，决定返璞归真，安心做一个迪斯科艺人（？）的时候，玻璃蜘蛛廉价闪光舞台出现，下一秒就切Ziggy巡演现场Rock n Roll Suicide，我他妈笑场十分钟

—探索自我：

-如今，人们在社会中寻求一份存在感，他们渴望一份职位，他们想成为无可替代的个体，这需要很多的探索得以实现。

-“永远记住，你最开始步入职业生涯的原因是，你觉得自己内心有某种东西，如果你能以某种方式表现出来，你就会更了解自己，了解你是如何与社会上其他人共存的。”

-“不仅仅是明星，我真正想做的是变得多样化。我不满足于一辈子只做个摇滚明星，我现在正努力成为一个摇滚明星，因为我需要它作为跳板，这样我就可以抛下它去做其他事情了。” -“与其被条条框框所限制，不如快速前进、进击，每完成一件事，公之于众，然后翻篇继续前进，不再沉湎于此。”

-“我一直都是个很害羞的人，我在舞台上没有活跃起来，反而更加害羞，但我发现如果我扮演了一个角色，我就会变得不那么害羞，所以这是一个方便，也是一个非常聪明的表演技巧。”

-“你必须成为千千万万人愿意倾听和信任的人。”但他也曾说过，变得过于成功就像是生活在一个金鱼缸里。

—反叛：

质疑一切先前建立的价值观和禁忌避讳。

—创作与探索：

-“我并不是一个原创思想家，我最擅长的是综合社会或文化中的那些思想，反馈这些思想，并产生一些关于我们在这个特定时代生活的思想” -我觉得我对身边的事物充满着非常健康的好奇心，包括我们文化的组成，这对于一名艺术家非常受益，因为我无时无刻地探索者事物被创造出的方式及其原因，以及背后的重要性与意义。

-允许一切发生，关注与反映变革：我们生活在一个形式条框的显化概念之中，而我们拒之门外的混乱是生活中非常现实的一部分，但我们却拒绝视其为生存不可或缺的一部分，这是我们整个文明犯下的最大错误之一。我身为一名艺术家的工作，与过渡转变息息相关，在当下这个时代，对变革的本质的探索尤为重要。我是个还不错的社会观察者。

-我对精神基础的追求在一生中十分强烈，我也在尝试将这些精神信条融汇在一起。

-“我认为艺术家满足别人的期望是非常危险的，如果你在自己工作的地方感到安全，那你就不是在正确的地方工作，在水里游的距离总是比你能想象的更远，稍微游出你的深度，当你感觉你的脚不太能触到底部时，你就正好在正确的地方做一些令人兴奋的事情。”

-倒逼：我有意让自己身陷窘境，就是为了看看自己是怎么应对它们的。置自己于危险的境遇之中，那些我不得不与他人社交往来的地方，我不擅长社交，例如在讨厌的洛杉矶生活几年，看其会如何影响我的创作。

-当你感到舒适自如，你再也无法创作，这是创作者面临的问题，当我过得越来越舒适，我明显感受到了，并不是说我的作品不如以前那样好而深刻，而是我还需要继续创作吗？”

-我非常害怕自己会抵达某一地方，因为对我而言，艺术在于探索，如果你到达这样一个地步，以为你已经成就了一番探索，那真是令人沮丧，我觉得探索才是关键。”

—热爱人生，当下即所有

-热爱人生：信仰一种能量形式，我确实很热爱人生。i love life very much indeed. -“

-你最享受什么？-醒来，感觉自己还有一份未来。过去的我反复向自己强调，还有明天，但这似乎从未实现，对我来说“就是这样 就是现在 这很重要””一切无常，所以我只需考虑当下。于是我必须开始采取非常积极的立场。”

-“-拥有大量观众对于你来说重要吗？-不，我只想好好搞创作，我只是…我必须好好搞创作，我认为这是一个非常英勇的举动，能够从每一天的生活中收获快乐与热情，我试过了，我觉得这需要专注与联系，才能够去享受它。很容易落入追寻梦想却总盼着未来的陷阱，过程若没能带给你快乐，梦想一文不值，而通过从过程中收获快乐，你离梦想更进一步。

关于Bowie的文字和影像已经有很多，我们是否还需要一部纪录片？而且为什么还是IMAX化的纪录片？

导演Brett Morgen，代表作《珍》（2017）和《科特·柯本：烦恼的蒙太奇》（2015），讲了一个很长的故事，因为本片的制作周期就很长，大约是七年。

导演在2007年会见了Bowie，和Bowie讨论另一个非虚构项目，Bowie重回当下的柏林，进行街头音乐表演，但是Bowie当时已经属于半退休状态，所以没有进行。

到了2015年，导演已经完成了关于科本的片子，开始想要利用IMAX和剧院环境创造一种“沉浸式音乐体验”，一种类似科技馆或主题公园的音乐旅程，而不是传统的传记体维基百科式的音乐人纪录片；由此出发导演开始考虑选哪个艺术家，2016年Bowie去世了，于是他通过原来的关系拿到了大量的archive，开始了本片的制作。

而这个IMAX沉浸式音乐体验，而不是维基百科式的做法，可能对于粉丝来说是很有吸引力的，而对于不熟悉Bowie的观众来说可能“音乐太响”、“内容太乱”，因为全片就如同把一个传统的编年体Bowie电视纪录片压缩成了一部2小时IMAX电影，并进行了拼贴和混响。好处显而易见，导演不再是一个信息整理和呈现的archive管理员和放映员，导演变成了一个进行二次创作的艺术家：电影开头和结尾呼应，是Bowie式再创作，太空月球外星人，预示着一个摇滚上帝的诞生和逝去；电影中也加入了一些简单的实验影像和动画元素，使得电影的迷幻氛围感加强；一段archive影像（在日本上下电梯），甚至在前半段和后半段都有出现，模糊了线形时间。不过既然是二次创作，好坏也是见仁见智。

Bowie留下的素材浩如烟海，切入他的主题也是多样：性取向、流行文化、变色龙、家庭生活、电影作品、绘画、百老汇戏剧、世界各地的游牧生活等等。导演似乎是都有所涉猎，但都是点到为止。在前面提到的跳跃和流动的形式下，唯一比较清楚的主轴似乎是一个完全投入在艺术/娱乐产业里的多变的艺术家，慢慢长大，找到了自我和艺术/事业的平衡，最终找到了人生存在主义式的归宿和平静私密的家庭生活。这里当然是Bowie的大智慧，他看穿了流行文化的本质，并且能够游刃有余，在创作一个摇滚之神的同时，能够看穿一切，已经属于明星的顶级成就。

而导演在那个讲为什么拍此片的很长的故事里也提到了一个插曲：有一次他心脏病突发住院，而在病床上他想到的是第二天要去拍marvel的电影，别的都没想拔管子就为了拍片走人。而在之后，他接触到了Bowie的archive，突然在另一个艺术家身上发现了生活和工作/艺术的平衡的重要性，所以最后（当然中间还有很多技术性的剪辑细节和新冠疫情）沉陷的便是这个主题。

说到底，就是一剂中年危机的美式解药。

参考信息：

纽约林肯中心电影sneak preview 导演Q&A

//www.msn.com/en-us/movies/news/seven-years-thousands-of-hours-of-david-bowie-footage-and-an-inspirational-train-ride-later-brett-morgen-finally-realized-his-moonage-daydream/ar-AA11SHEP